绘画里的衣服褶子可真是太好看了

  褶皱在绘画中扮演着一个很重要的角色，这不仅仅表现在形式上，还表现在对于历史的描述上，因为它将过去几个世纪的艺术文字所描述的变化都体现了出来。

  通过褶皱的样式，人类能感受到人物的动作，同时也能确定一个时期的艺术风格。

  例如，在拜占庭式的艺术中，人类能看到一种极具特点的衣物褶皱画法，即用大面积的装饰来勾绘衣物。

  相反,在哥特式画作中，衣服的褶皱充满节奏感、线条感，同样也具有装饰效果。

  而在文艺复兴时期，褶皱变得十分重要，为了使衣物看上去更自然真实，画家开始结合人体解剖学学习怎么样表现衣服的褶皱，并开始注重衣物的材质。

  正如达芬奇在他的《绘画原理》中提到的一样:“衣服的褶皱看上去要像它们本来就住在衣服上一样。”此外，褶皱还被用来表现画中人的动作、运动和构图中的光与色彩。

  在画中人物身上，褶皱、衣物、布料的体现都是为了使画面更协调，尤其是在古典主义长期遵循，并在新古典主义时期重新被奉行的标准下，更是如此。

  到了17世纪古典主义画作中的褶皱表达变成了一种方式，画家通过它来表现自己用色平衡的能力。然而，自19世纪以来，褶皱的研究就被弃置在了学术领域，它在同时期画家的画作中已经完全失去了重要性。

  对于野兽派和后期印象派的绘画作品来说，褶皱不存在丝毫的价值，相反，它被大面积的填色所取代。而那些仅仅为了展现研究目的的画家，则已不再遵循严谨的美学理论规则了。

  真蒂莱·达·法布里亚诺《抹大拉的马利亚》，罗米塔山谷多联画屏》的底部侧边镶板约1405-1410年，米兰,布雷拉画廊

  人物轻巧的身形和衣物的着色，可以对比出长袍褶皱的厚重感。同时，有了这些弯曲的线条，强烈装饰感的部分使得作品看起来，异常华丽且不做作。并且衣服的金色折边使衣物达到了高雅奢华的效果。

  画家利用褶皱凸显圣人身姿的优雅，褶皱的线条设计显示出长袍的珍贵质感，同时表现出圣人体态的轻盈。

  弗莱大师(罗伯特·坎平 )，《圣母领报三折画》中央画板，约1430年 布鲁塞尔比利时皇家美术博物馆

  天使和圣母衣服的褶皱用十分明显的线条勾勒了出来，这些线条勾绘出的人物轮廓，让人联想到勃民第的雕塑作品。光与影的对比营造出强烈的装扮修饰的效果，同时也体现出了裙摆的硕大与立体感

  乔瓦尼·兰弗兰克《维纳斯弹奏竖琴》1630-1631年，罗马，巴贝里尼宫国家古代艺术画廊

  背景的褶皱成了真正的画面组成元素，同时它又是一个侧幕，如同为场景镶上了一个画框，指引着赏画者的目光。

  遮住女神部分身体的衣物上充满了褶皱，布料的真实感为大家展示出了画家高超的绘画技艺。

  在画面中，衣物的褶皱由纯色彩和基本的形状构成，摒弃了传统的透视结构，这种极具特点的褶皱慢慢的变成了一个标志性的简易元素。

  两个女人衣服的影线，通过一个整合强调了作品装饰性的部分，同时通过大面积的填色突出了画面的二维感。

  作品忽视了传统西方艺术作品中人物的镜头感，衣服的布料处理让画面看上去仅仅是一个图像，而不再有自然的真实感。

  亨利·马蒂斯《红色的和谐》(《甜点》)1908年，圣彼得堡，国立艾尔米塔什博物馆

  桌布和女人衣服的褶皱在这里已经完全失去了它们原本的主体地位，取而代之的是大面积装饰性的色块。

  从女人身边桌子上的静物描绘能够准确的看出，画中的这些元素都是纯粹的装饰品，与桌边、椅子和窗外模糊的风景形成一个细微的透视暗示。

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